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Mauricio Van Hasselt se suma a EFD Studios como Director de Producción e Innovación

Con más de dos décadas de experiencia internacional, liderará la producción y el desarrollo de tecnologías innovadoras en todas las sedes de la compañía. Madrid, 8 de marzo – EFD Studios anuncia la incorporación de Mauricio Van Hasselt como Director de Producción e Innovación, con base en Madrid. Desde este rol, estará a cargo de liderar tanto la producción física como el desarrollo de producción virtual en todas las sedes de la compañía, impulsando la adopción de nuevas tecnologías, metodologías y procesos estratégicos en los servicios a la producción. Su llegada se enmarca dentro del plan de expansión e innovación de EFD Studios, que en 2024 anunció la construcción de platós de producción virtual en Madrid y Ciudad de México. El plató de Madrid, ubicado en Boadilla del Monte, será el más grande de Europa y estará operativo en septiembre de este año. Por su parte, el de Ciudad de México se posicionará uno de los platós más extensos y mejor equipados de América Latina. Estas infraestructuras forman parte de la estrategia de la compañía para consolidar su liderazgo en el desarrollo de tecnologías aplicadas a la producción audiovisual, ofreciendo las herramientas más novedosas a la vez que se continúa apostando por el gran valor de las filmaciones en locaciones reales. Mauricio cuenta con más de 20 años de experiencia en la industria audiovisual, desarrollada en hubs clave como Los Ángeles, Londres, Ciudad de México, Vancouver y Mumbai. Su perfil es profundamente multicultural, con una sólida formación técnica y una trayectoria que abarca desde la producción en set y estudio hasta la postproducción y los efectos visuales. Durante años se desempeñó como artista, instructor y gerente de Producción de VFX, lo que le permitió adquirir una comprensión detallada de los desafíos técnicos de cada proyecto y liderar equipos internacionales con un enfoque empático, colaborativo y orientado a resultados. En su más reciente etapa, fue Virtual Production On-Set Producer en Pixomondo, compañía de Sony Pictures, donde participó en proyectos internacionales de alto perfil y contribuyó al desarrollo de nuevas soluciones en producción virtual. Entre sus logros destaca la coordinación de un proyecto de Amazon Studios que utilizó el set de producción virtual más grande de América Latina hasta finales de 2023. A lo largo de su carrera, ha estado vinculado a franquicias de éxito mundial como Star Wars, Harry Potter y Stranger Things, así como a producciones destacadas comoWonder Woman, Cada Minuto Cuenta, Men in Black 3, Las Crónicas de Narnia, Guardians of the Galaxy yHuesera. Sobre su incorporación a EFD Studios, Mauricio Van Hasselt comentó que: "Es un honor para mí el unirme al equipo de EFD Studios -empresa líder con una exitosa trayectoria que desde sus inicios se ha definido por su arrojo y visión. Nuestros clientes se continuarán beneficiando de los comprobados flujos de servicios 360, donde ahora incorporaremos tecnologías de vanguardia suscritas a materializar la creatividad más audaz y a mantener nuestro firme compromiso de ser el mayor y más confiable aliado de los cineastas y realizadores de todo el mundo. Gracias a EFD Studios por recibirme; mi puerta estará siempre abierta a darle la bienvenida a todos aquellos visionarios con el objetivo de continuar haciendo juntos de nuestra industria un sueño real." Su visión integra el conocimiento técnico con una comunicación efectiva, capacidad de negociación y una marcada orientación a la innovación, elementos que fortalecen el enfoque estratégico de EFD Studios en todas las fases del proceso audiovisual. Georgina Terán, CEO de EFD Studios comentó que "En EFD Studios creemos en el poder de las ideas, la tecnología y el talento para buscar nuevas fórmulas para contar historias. Creemos que cada obra es el resultado de una sinergia orgánica de pasión y tecnología punta. La incorporación de Mauricio representa ese compromiso: sumar experiencia, visión global y liderazgo para impulsar la producción virtual desde una perspectiva innovadora y colaborativa. Es un privilegio contar con él en este camino de expansión y evolución constante." Con esta incorporación, EFD Studios consolida su liderazgo en las regiones en las que opera y reafirma su compromiso con la excelencia, la tecnología y el desarrollo de talento especializado en una industria en constante transformación.

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EFD Studios impulsa el debate sobre sostenibilidad en la industria audiovisual en FICCI 2025

La compañía reunió en Cartagena de Indias a referentes de Colombia y España para abordar la necesidad de incorporar la sostenibilidad en toda la cadena de valor del audiovisual.   Georgina Terán, CEO de EFD Studios, destacó el rol estratégico de las empresas de servicios en la transformación sostenible del sector.  Cartagena de Indias, 4 de abril de 2025 – La sostenibilidad en la industria audiovisual no es solo una necesidad, sino una transformación en marcha. Durante el Festival Internacional de Cine de Cartagena de Indias (FICCI 2025), EFD Studios promovió un panel clave para abordar cómo la sostenibilidad debe integrarse en toda la cadena de valor del audiovisual, más allá del rodaje.  Bajo el título “La sostenibilidad en el audiovisual más allá del rodaje. Un camino necesario”, el panel reunió a expertos de España y Colombia para debatir sobre las experiencias, estrategias, retos y soluciones que permiten construir un modelo de producción más eficiente y responsable con el medioambiente.  Con la participación de Georgina Terán, CEO de EFD Studios (México, Colombia, España, EEUU); Ricardo Cantor Bossa, Gerente de Artes Audiovisuales del IDARTES y Director de la Cinemateca de Bogotá, Comisión Fílmica de Bogotá (Colombia), Paloma Andrés Urrutia, cofundadora de Mrs. Greenfilm (España) y Sebastián Molina, fundador de Green Projections (Colombia), el panel fue moderado por la actriz y Presidenta de la Academia Colombiana de Artes y Ciencias Cinematográficas, Natalia Reyes.  Desde el inicio, el panel dejó claro que hablar de sostenibilidad real en el audiovisual implica una transformación que requiere una mirada estructural y compartida por todos los involucrados en la producción.  Sostenibilidad en toda la cadena de valor  Uno de los mensajes más claros del panel fue que la sostenibilidad en el audiovisual no puede reducirse al momento del rodaje. Es un desafío mucho más amplio que involucra a todos los actores de la industria: productores, plataformas, instituciones, proveedores de servicios, técnicos y creadores. Desde la planificación hasta la postproducción, pasando por la historia misma, la energía, los traslados, la infraestructura, el manejo de residuos o incluso el catering, cada decisión tiene un impacto.  Esta visión integral fue compartida por todos los ponentes, que coincidieron en que avanzar hacia un modelo más sostenible exige romper la lógica del “compartimentar” los esfuerzos. La transformación solo será posible si se aborda de forma transversal y desde una responsabilidad compartida, un camino que ha sido liderado por las plataformas de streaming, al fomentar estas prácticas en sus producciones originales, como destacó Natalia Reyes.   El papel de las empresas de servicios en la transición sostenible  Durante la conversación también se subrayó el papel clave de las empresas de servicios audiovisuales en la transición hacia un modelo más sostenible. Aunque a menudo permanecen en segundo plano, sus decisiones operativas tienen un impacto directo sobre la huella ambiental de cada producción.  Desde esa perspectiva, Georgina Terán, CEO de EFD Studios, compartió algunas de las acciones que la compañía ha comenzado a implementar en distintas sedes encaminados a trabajar internamente esa transición. Entre ellas, el uso de energías renovables en estudios de España y México, el desarrollo de soluciones de producción virtual para reducir la huella de carbono, la transición hacia una flota de transporte electrificado del transporte de equipos y la sustitución progresiva de luces tungsteno por tecnología LED.  Uno de los grandes desafíos señalados fue la rápida obsolescencia de los equipos, como las cámaras cinematográficas y los aparatos de iluminación, lo que obliga a realizar inversiones muy elevadas en cortos periodos de tiempo para mantenerse a la vanguardia tecnológica. Esto, a su vez, genera una acumulación de equipos que dejan de utilizarse comercialmente, aunque siguen ofreciendo una excelente calidad. EFD Studios dio respuesta a esta situación a través de la formación: reutiliza estos equipos para capacitar a nuevas generaciones de profesionales y coproduce cortometrajes con historias que merecen ser contadas. Otro reto que se encontró es la falta de información fiable para tomar decisiones informadas. Terán subrayó la urgencia de trabajar con los fabricantes para generar métricas comunes que permitan comparar y mejorar y para que ofrezcan actualizaciones de productos en vez de sacar al mercado de manera constante nuevos productos que exigen la renovación de los mismos.  Sebastián Molina y Paloma Andrés Urrutia compartieron ejemplos concretos sobre cómo las productoras pueden integrar criterios sostenibles en su operación diaria. Entre las prácticas destacadas se encuentran el aprovechamiento de los excedentes de comida del catering, el uso de materiales reutilizados de otras producciones, la donación de escenografías y elementos de utilería a ONG y organizaciones sociales, así como la implementación de cambios conductuales orientados a reducir el consumo energético y reutilizar el agua mediante circuitos cerrados en escenas de lluvia.  Ricardo Cantor Bossa, Gerente de Artes Audiovisuales del IDARTES y Director de la Cinemateca de Bogotá, Comisión Fílmica de Bogotá, subrayó el papel que pueden desempeñar las instituciones públicas y compartió algunas de las iniciativas que desde la Comisión Fílmica de Bogotá, como son la elaboración de un manual de buenas prácticas para el sector, acciones de sensibilización y talleres para el correcto manejo de residuos como los textiles, pilas, bombillas y luminarias o catering. También explicó que además de estas y otras acciones, desde la comisión se ha producido una serie web protagonizada por Marcela Recicladora con ejemplos prácticos de cómo reducir el impacto medioambiental en el ámbito audiovisual.   El futuro de la sostenibilidad en la industria  Todos los panelistas coincidieron en que aún existen algunas barreras estructurales que ralentizan una transición efectiva hacia modelos más sostenibles, y se comentaron varios aprendizajes que pueden extraerse de distintas experiencias locales. Desde Colombia, Sebastián Molina, que recientemente ha trabajado en la estrategia de sostenibilidad de la serie ‘100 años de soledad’, compartió el trabajo que viene desarrollando con Green Projections, una iniciativa pionera dedicada a diseñar herramientas para medir y reducir el impacto ambiental en producciones audiovisuales a la vez que destacó la importancia de contar con equipos de sostenibilidad cualificada para aportar soluciones que permitan producciones eficientes.  Paloma Andrés Urrutia, que desde Mrs Greenfilm ha participado en proyectos tan relevantes como ‘La sociedad de la nieve’, ‘Reina Roja’, ‘Élite’ o ‘Machos Alfa’, coincidió en que el conocimiento técnico es solo una parte del desafío. La sostenibilidad, señaló, también requiere voluntad, cooperación y políticas públicas claras. “No hay una receta única. Cada territorio debe encontrar su modelo, pero siempre desde la colaboración”.  El panel concluyó con un llamado a la acción para que todos los actores de la industria, desde productoras y plataformas hasta proveedores de servicios e instituciones públicas, trabajen en conjunto para consolidar la sostenibilidad como un estándar del sector. Se señaló que la sostenibilidad debe convertirse en una estrategia estructural que atraviese toda la industria, ya que nos encontramos en un momento de descubrimiento, de ensayo y error, pero lo que está claro es que la sostenibilidad en el audiovisual ha llegado para quedarse. Georgina Terán finalizó su intervención añadiendo que “la sostenibilidad es una actitud ante la vida y todos debemos ser parte de ello”.  Con la celebración de este panel, EFD Studios reafirma su compromiso con la sostenibilidad en la industria audiovisual, impulsando el diálogo y promoviendo iniciativas que permitan construir una producción más responsable y eficiente a nivel global. 

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Laowa presenta su serie: Proteus 2X Anamorphic Zoom

La empresa Venus Optics ha lanzado la serie de lentes Laowa Proteus 2X Anamorphic Zoom, compuesta por los modelos 26-45mm T2.9 y 45-85mm T2.9. Estas ópticas combinan el look anamórfico clásico con características modernas, ofreciendo a los cineastas una solución versátil y asequible. Diseño y Características Claves La serie Proteus 2X cuenta con una compresión anamórfica constante de 2X. Están optimizados para sensores 4:3 y 6:5, logrando una relación de aspecto final de 2.66:1 o 2.4:1 tras la descompresión. El diseño anamórfico frontal de estos lentes mantiene un equilibrio entre nitidez y el clásico look cinematográfico, resaltando elementos esenciales como el bokeh ovalado y los característicos destellos anamórficos en colores ámbar, azul y plateado. La apertura constante de T2.9, garantiza una iluminación estable en todo el rango de zoom, mientras que la distancia mínima de enfoque de 50 cm permite capturar detalles cercanos sin perder el carácter anamórfico. Imagen cortesía de Laowa/Venus Optics Portabilidad y Rendimiento en Set Diseñados pensando en la movilidad, los lentes Proteus 2X Anamorphic Zoom destacan por su tamaño compacto y peso reducido. Con aproximadamente 1.5 kg (3.3 lbs) y una longitud de 19 cm (7.48”), estos lentes minimizan la carga sobre rigs y estabilizadores, facilitando los movimientos de cámara y transiciones fluidas entre escenas. Flexibilidad Su círculo de imagen de 31.9 mm permite su uso con múltiples sensores, incluyendo el RED V-Raptor en modo 7K 6:5 y el ARRI Alexa S35 en un recorte de 4.6K 6:5. Imagen cortesía de Laowa/Venus Optics Serie Proteus Flex: Personalización Óptica Para quienes buscan aún más opciones creativas, Venus Optics ofrece la versión Proteus Flex 2X Anamorphic, con la posibilidad de intercambiar los efectos de destello óptico. Gracias a esta funcionalidad modular, los cineastas pueden adaptar la estética visual de su producción sin necesidad de cambiar de lente. Lo último La nueva serie Laowa Proteus 2X Anamorphic Zoom combina diseño compacto, rendimiento óptico y opciones de personalización, consolidándose como una opción atractiva para cineastas que buscan calidad y flexibilidad. Su versatilidad, junto con la integración de monturas intercambiables y una apertura constante de T2.9, refuerzan su posición como una herramienta eficaz para producciones cinematográficas de alto nivel.

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Movie Magic para la planificación de rodajes: ventajas y funcionalidades clave

La planificación de un rodaje puede ser una tarea titánica, pero con las herramientas adecuadas, es posible convertir un proceso complejo en una experiencia organizada y eficiente. Movie Magic se ha posicionado como una de las soluciones más completas para la gestión de producciones cinematográficas y televisivas. En este artículo, explicaremos las ventajas y funcionalidades clave de esta herramienta, diseñada para facilitar cada etapa del proceso de producción. Descubre cómo puede transformar tu próximo proyecto en un ejemplo de organización y precisión. Ventajas y funcionalidades clave de Movie Magic Movie Magic es reconocida por su capacidad para abordar de manera integral las necesidades de producción. A continuación, presentamos las principales ventajas que ofrece esta herramienta, explicadas en detalle: 1. Simplifica la planificación y organización de rodajes La herramienta permite desglosar cada aspecto de la producción, desde la asignación de tareas hasta la coordinación entre departamentos. Su interfaz intuitiva facilita la gestión de datos complejos, permitiendo que los equipos trabajen de manera sincronizada y sin confusiones. Esto resulta esencial para producciones grandes, donde la organización es clave para evitar retrasos. 2. Facilita la creación de presupuestos detallados Movie Magic cuenta con funciones avanzadas para la elaboración de presupuestos, permitiendo incluir todos los gastos relacionados con el rodaje. Desde salarios hasta costos de equipo, todo puede ser calculado con precisión. Además, ofrece opciones de ajustes rápidos para realizar simulaciones financieras y evaluar la viabilidad económica del proyecto. 3. Permite gestionar calendarios de producción eficientemente La herramienta incluye un sistema de calendarios que facilita la programación de rodajes, ensayos y reuniones. Gracias a su flexibilidad, es posible reorganizar el calendario en tiempo real para adaptarse a imprevistos. Esto resulta especialmente útil en producciones con agendas apretadas y localizaciones variables. 4. Centraliza la información de todo el equipo de producción Con Movie Magic, toda la información relevante está en un solo lugar. Desde contactos del equipo hasta detalles técnicos del rodaje, la centralización de datos reduce errores y mejora la comunicación. Esto crea un flujo de trabajo más transparente y eficiente. 5. Proporciona herramientas para desgloses de guion Esta funcionalidad permite analizar el guion en detalle, identificando elementos clave como props, localizaciones, y personajes. El desglose se genera de forma automatizada, lo que ahorra tiempo y garantiza que no se omita ningún detalle importante para la producción. 6. Optimiza la asignación de recursos y localizaciones Gracias a su capacidad de seguimiento y organización, Movie Magic facilita la asignación eficiente de recursos humanos y materiales. Esto asegura que cada elemento esté disponible en el momento y lugar adecuados, minimizando el riesgo de contratiempos. Movie Magic transforma la planificación de rodajes en un proceso preciso y eficiente, integrando cronogramas, presupuestos y logística en una sola herramienta 7. Ofrece informes personalizables para un mejor control La herramienta genera informes detallados y adaptables a las necesidades de cada proyecto. Desde estados financieros hasta reportes de producción, estos documentos permiten a los responsables tomar decisiones fundamentadas y mantener un control total sobre el progreso del rodaje. 8. Compatible con múltiples formatos y exportaciones Movie Magic permite exportar datos en diferentes formatos, lo que facilita compartir información con otros departamentos o integrarla en otras plataformas. Esto mejora la colaboración entre equipos y asegura una comunicación fluida. 9. Integración con otras herramientas de producción Su compatibilidad con software complementario permite integrar flujos de trabajo, desde sistemas de edición hasta herramientas de postproducción. Esto convierte a Movie Magic en una solución versátil y completa. 10. Ahorra tiempo en tareas administrativas Al automatizar procesos como la creación de cronogramas, presupuestos para el alquiler de equipos de producción audiovisual y desgloses, Movie Magic reduce significativamente el tiempo dedicado a tareas administrativas. Esto permite a los equipos enfocarse en aspectos creativos y estratégicos de la producción. Movie Magic es una herramienta indispensable para profesionales del sector audiovisual que buscan optimizar sus producciones. Su amplia gama de funcionalidades y su capacidad para simplificar procesos complejos la convierten en una aliada clave para garantizar el éxito de cualquier rodaje. Con esta plataforma, la planificación se convierte en una experiencia eficiente y organizada, permitiendo que la creatividad y el talento brillen en cada proyecto.

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Equivalencias de lentes esféricas vs anamórficas: todo lo que debes saber

En el mundo del cine y la fotografía, elegir la lente adecuada puede marcar la diferencia en la narrativa visual. Las lentes esféricas y anamórficas ofrecen perspectivas únicas, pero entender sus diferencias y equivalencias es esencial para aprovechar su potencial. ¿Sabías que una lente anamórfica de 50 mm ofrece un campo de visión horizontal similar a una esférica de 25 mm? Si te interesa descubrir las equivalencias de lentes esféricas vs anamórficas, sigue leyendo. Te lo explicamos todo con detalle. Equivalencias de esféricas vs anamórficas en distancias focales Uno de los aspectos clave al trabajar con lentes anamórficas es entender cómo su factor de compresión afecta la distancia focal percibida. A continuación, se muestra una tabla con las equivalencias entre lentes esféricas y anamórficas (factor 2X), donde las lentes anamórficas comprimen la imagen horizontalmente mientras mantienen la altura constante: Distancia focal (esférica) Equivalente anamórfico (factor 2x) Campo de visión horizontal 50 mm 25 mm horizontal / 50 mm vertical Amplio 75 mm 37,5 mm horizontal / 75 mm vertical Moderado 100 mm 50 mm horizontal / 100 mm vertical Reducido Nota importante: Si trabajas con lentes anamórficas de otros factores de compresión, como 1.33x o 1.8x, las equivalencias serán diferentes. Ejemplo práctico: Un anamórfico 50 mm 2x ofrece el campo visual horizontal de una lente esférica de 25 mm, pero conserva la profundidad de campo y la compresión vertical de un 50 mm. Esto permite captar más información en el encuadre sin cambiar la perspectiva vertical. ¿Qué son las lentes esféricas y anamórficas? Las lentes esféricas y anamórficas son fundamentales en el cine y la fotografía, pero tienen características y usos muy distintos que influyen directamente en la narrativa visual. 1. Lentes esféricas Las lentes esféricas son el tipo más comúnmente utilizado tanto en fotografía como en producciones cinematográficas estándar. Estas lentes capturan imágenes sin aplicar ningún tipo de compresión, lo que significa que la proyección resultante es directa, sin distorsión. Esto permite que los elementos en el encuadre se representen de forma natural y precisa. Por lo general, las lentes esféricas ofrecen relaciones de aspecto como 1.85:1 o 2.39:1, aunque este último formato suele lograrse recortando la imagen en postproducción. Entre sus principales características destaca su capacidad para producir imágenes limpias y sin aberraciones ópticas significativas. Debido a esta neutralidad, son ideales para proyectos que buscan una representación visual realista. 2. Lentes anamórficas Por otro lado, las lentes anamórficas tienen un diseño óptico único que comprime horizontalmente la imagen durante la captura. Esto permite grabar una escena con un campo de visión más amplio sin sacrificar resolución vertical, logrando relaciones de aspecto más amplias, como 2.39:1 o incluso superiores. Esta capacidad es especialmente útil en producciones cinematográficas donde se desea un formato panorámico sin recortes. Visualmente, las lentes anamórficas aportan un carácter distintivo. Generan efectos ópticos como destellos horizontales muy marcados (lens flares) y un bokeh ovalado que añade una profundidad estética única. Además, la compresión horizontal acentúa la separación entre el primer plano y el fondo, creando una sensación de profundidad que es difícil de replicar con lentes esféricas. Estas características las hacen ideales para proyectos visualmente ambiciosos, como épicas cinematográficas o producciones que buscan un look más estilizado y artístico. ¿Cómo afectan estas diferencias a la narrativa? Las diferencias entre lentes esféricas y anamórficas tienen un impacto significativo en la narrativa visual: Campo de visión amplio: Las lentes anamórficas son ideales para escenas amplias que requieren captar múltiples elementos en pantalla, como paisajes o multitudes. Estética cinematográfica única: Los destellos horizontales y el bokeh ovalado de las anamórficas aportan un carácter más dramático y estilizado. Profundidad visual: La compresión horizontal resalta los elementos en primer plano, acentuando la separación entre el sujeto y el fondo. Imágenes naturales: Las lentes esféricas ofrecen una representación más neutral, adecuada para proyectos donde se busca realismo. Comprender las equivalencias entre lentes esféricas y anamórficas es clave para elegir el equipo adecuado en tus producciones audiovisuales. Cada tipo de lente ofrece ventajas únicas que se adaptan a diferentes estilos narrativos. En EFD Studios, contamos con un amplio catálogo de ópticas esféricas y anamórficas en alquiler, perfectas para cualquier proyecto. Consulta con nosotros para encontrar el equipo que mejor se ajuste a tus necesidades. ¡Haz que tu visión cobre vida!

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¿Red Komodo o Dragon? Comparativa de cámaras

En el competitivo mundo del cine digital, elegir la cámara adecuada puede marcar la diferencia entre capturar una escena memorable o perder matices esenciales. Red Komodo y Red Dragon son dos opciones destacadas que ofrecen calidad cinematográfica insuperable, pero ¿cuál se adapta mejor a tu producción? En esta comparativa analizaremos sus características técnicas clave, desde resolución y sensores hasta ecosistemas y formatos de grabación. Tanto si buscas flexibilidad para rodajes en movimiento como robustez para grandes producciones, aquí encontrarás la respuesta. Red Komodo Vs Dragon: comparativa técnica y aplicaciones cinematográficas Recientemente, analizamos las diferencias clave entre la Komodo y la Komodo X, destacando las innovaciones que la versión X aporta al mundo del cine digital. Ahora, ampliamos el enfoque comparando la Komodo con la emblemática Red Dragon, dos cámaras que han marcado hitos en producciones cinematográficas. Esta comparativa no solo ayuda a entender las capacidades de cada modelo, sino también a identificar cuál se adapta mejor a las necesidades de proyectos específicos, desde rodajes independientes hasta superproducciones. 1. Resolución Red Komodo: Hasta 6K en formato RAW, ideal para producciones independientes y rodajes que requieren alta definición con un flujo de trabajo ágil. Red Dragon: Disponibles en versiones de 6K, 8K o más, dependiendo del modelo, ofrece mayor versatilidad para largometrajes y efectos visuales complejos. 2. Tamaño del sensor Red Komodo: Equipada con un sensor Super 35, que proporciona un equilibrio perfecto entre profundidad de campo cinematográfica y compatibilidad con objetivos de alta calidad. Red Dragon: Disponible tanto en formato Full Frame como en Super 35, lo que permite mayor flexibilidad según las necesidades de tu producción. 3. Montura de lente Red Komodo: Utiliza la montura RF, que admite una amplia gama de adaptadores y objetivos modernos, ideal para producciones que buscan innovación técnica. Red Dragon: Incorpora la montura DSMC2, ampliamente compatible con accesorios y adaptadores diseñados para el ecosistema RED. 4. Shutter Red Komodo: Destaca por su global shutter, que elimina el efecto rolling shutter, una ventaja clave para escenas con movimientos rápidos o efectos especiales dinámicos. Red Dragon: Utiliza un rolling shutter, que, si bien ofrece gran calidad, puede requerir ajustes adicionales en ciertos rodajes de acción. 5. Dimensiones y peso Red Komodo: Compacta y ligera, es una opción ideal para configuraciones con gimbals, drones o espacios reducidos. Red Dragon: Más grande y robusta, diseñada para configuraciones complejas en rodajes de alto presupuesto. 6. Almacenamiento Red Komodo: Compatible con tarjetas CFast 2.0, una solución económica y accesible para producciones pequeñas o medianas. Red Komodo: Utiliza RED Mini-Mag, que ofrece mayor capacidad y velocidad, adaptándose a los flujos de trabajo más exigentes. 7. Ecosistema Red Komodo: Aunque más reciente, cuenta con accesorios clave que optimizan su rendimiento. Red Dragon: Su tiempo en el mercado le ha permitido desarrollar un ecosistema más extenso y probado, especialmente para producciones complejas. 8. ISO base y rango dinámico Red Komodo: Con un ISO base bajo, es ideal para entornos controlados con buena iluminación. Red Dragon: Su mayor rango dinámico en niveles ISO elevados la hace perfecta para escenas con contraste extremo o iluminación complicada. 9.  Conectividad y control Red Komodo: Incluye WiFi integrado, facilitando el control remoto sin necesidad de accesorios adicionales. Red Dragon: Requiere módulos adicionales, ofreciendo configuraciones más personalizables para rodajes especializados. 10. Formatos de grabación Ambas cámaras graban en RAW, pero los modelos Dragon suelen ofrecer más opciones de compresión, adaptándose mejor a diferentes requerimientos de postproducción. 11. Baterías Red Komodo: Funciona con baterías tipo BP, ideales para configuraciones ligeras. Red Dragon: Utiliza baterías V-mount o Gold Mount, esenciales para rodajes prolongados. 12. Compatibilidad con LUTs Red Komodo: Permite cargar LUTs personalizadas directamente, simplificando el flujo de trabajo en sets de rodaje modernos. Red Dragon: Aunque también admite LUTs, esto puede depender del firmware y de configuraciones específicas. 13. Rendimiento térmico Red Komodo: Diseñada con un sistema de ventilación eficiente, adecuada para rodajes en condiciones exigentes. Red Dragon: Puede requerir una gestión térmica más cuidadosa en climas extremos o rodajes prolongados. Tanto la Red Komodo como la Red Dragon son herramientas excepcionales para cineastas. La Komodo destaca por su portabilidad y funciones modernas, mientras que la Dragon sigue siendo la elección de referencia para grandes producciones gracias a su versatilidad y ecosistema establecido. En EFD Studios, ambas cámaras están disponibles para alquiler, asegurando que tengas el equipo perfecto para llevar tu visión cinematográfica al siguiente nivel.

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EFD Studios en la BSC Expo 2025: Innovación y Tendencias en el Mundo del Cine

La BSC Expo 2025, celebrada los días 14 y 15 de febrero en Battersea Evolution, Londres, volvió a ser un punto de encuentro clave para la industria cinematográfica y televisiva en Europa. Este año, EFD Studios estuvo presente para conocer de primera mano las últimas innovaciones tecnológicas, conectar con expertos del sector y explorar el futuro de la cinematografía. Desde las más novedosas ópticas hasta soluciones avanzadas de iluminación y producción virtual, la feria fue una ventana a las herramientas que están redefiniendo la manera de contar historias en la gran pantalla. Tecnología Destacada en la Expo El evento reunió a una amplia gama de expositores que presentaron avances en tecnología cinematográfica. Entre las novedades más destacadas encontramos estas: Aputure, líder en equipo de iluminación, presentó el STORM 80c y 1000c, equipados con el innovador motor de luz BLAIR-CG. Estas dos luces COB de color ajustable ofrecen una gran precisión de color y cuentan con un amplio rango de ajuste de luz blanca de 1,800K a 20,000K CCT, además de un control total de 100% +/- en la corrección de verde.   Ver esta publicación en Instagram   Una publicación compartida de EFD Studios ES (@efdstudioses) ARRI exhibió los nuevos lentes Ensō Primes junto con las innovadoras cámaras ALEXA 265, la cual representa la evolución de la icónica línea de cámaras ALEXA, ofreciendo una resolución aún mayor, un rango dinámico ampliado y un procesamiento de color mejorado para satisfacer las exigencias del cine moderno, junto con la ALEXA Monochrome, diseñada específicamente para capturar imágenes en blanco y negro. Al eliminar el filtro de color del sensor, esta cámara logra una mayor sensibilidad a la luz, mejorando la textura, el contraste y los detalles en cada toma.   Ver esta publicación en Instagram   Una publicación compartida de EFD Studios ES (@efdstudioses) DopChoice presentó las nuevas versiones de sus populares Snapbags y Snapgrids, accesorios diseñados para mejorar el control y la calidad de la iluminación en cualquier set de filmación. Estos modificadores permiten a los cineastas ajustar la dirección y la suavidad de la luz de manera sencilla, destacando el nuevo Airglow Float.  Godox KNOWLED, la empresa asiática, mostró el LED COB MG2400Bi, los reflectores LiteFlow y el innovador F800R, una alfombra LED flexible de alta potencia, entre otras soluciones de iluminación. Kino Flo Lighting Systems destacó con la serie Celeb IKON, que ofrece una transición precisa entre tonos cálidos y luz diurna con tecnología avanzada de colorimetría LED.   Ver esta publicación en Instagram   Una publicación compartida de EFD Studios ES (@efdstudioses) Nanlux sorprendió con el Evoke 5000B, un foco LED bicolor de 5000W con un rango de temperatura de 2700K a 6500K y ajuste de verde/magenta ±80. Panavision reveló sus nuevos lentes anamórficos Ultra Panatar II 1.3x, además de los esféricos prime VA y Panaspeed, ampliando las opciones creativas para cineastas. Panther exhibió su Dolly S-Type, una herramienta para movimientos de cámara precisos y silenciosos. RED Digital Cinema, mostró las cámaras V-RAPTOR [X] y KOMODO-X, ambas con tecnología global shutter para producciones dinámicas. Sony presentó su ecosistema de producción virtual, combinando la pantalla Verona con la cámara Venice 2. También anunció una actualización de firmware para la cámara Burano, con nuevos formatos de grabación y herramientas de exposición avanzadas. Technocrane exhibió sus últimas innovaciones en grúas telescópicas, incluyendo el Technocrane 50, diseñado para ofrecer tomas más estables y fluidas. Un Evento Clave para la Industria Nuestra participación en la BSC Expo 2025 nos permitió explorar las tendencias tecnológicas más recientes y conocer de cerca las herramientas que están transformando la cinematografía. Un espacio de aprendizaje, descubrimiento y encuentro con los profesionales del sector. Seguiremos atentos a las novedades de la industria.

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Diferencia entre Dolly y Travelling: técnicas para movimientos de cámara

En las producciones audiovisuales, los movimientos de cámara son esenciales para transmitir emociones, guiar la narrativa y sumergir al espectador en la escena. Entre estas técnicas, el dolly y el travelling destacan como herramientas clave para lograr desplazamientos fluidos y dinámicos. Aunque a menudo son términos que se utilizan indistintamente, es importante conocer la diferencia entre dolly y travelling para utilizarlos correctamente.  Diferencia entre Dolly y Travelling: claves para elegir la técnica adecuada Ambos términos están relacionados con el desplazamiento físico de la cámara, pero no son sinónimos. Mientras que el dolly se refiere a un equipo específico diseñado para movimientos suaves y controlados, el travelling abarca una técnica más amplia que implica el movimiento de la cámara, sin importar el equipo utilizado. Dolly: el dispositivo esencial para movimientos controlados y fluidos El dolly es una herramienta clave en las producciones audiovisuales, diseñada para ofrecer movimientos de cámara precisos y profesionales. Se trata de un dispositivo físico con ruedas, que permite montar la cámara y desplazarla de forma controlada sobre rieles o directamente sobre el suelo. Este diseño está optimizado para lograr tomas fluidas, especialmente en escenas que requieren gran estabilidad y precisión. El dolly puede ser motorizado o accionado manualmente, adaptándose a las necesidades del rodaje. Se desplaza tanto en trayectorias rectas como curvas, gracias al uso de vías de ambos tipos, y permite movimientos en varias direcciones: hacia adelante, atrás, laterales o incluso en ángulos. Esto lo convierte en una herramienta muy versátil para tomas complejas. Ventajas del dolly Entre sus principales ventajas se encuentra su capacidad para proporcionar movimientos suaves y sin vibraciones, lo que es crucial en producciones de alta calidad. Además, su estructura robusta permite soportar cámaras pesadas junto con accesorios adicionales, como lentes especiales o monitores externos. Por ello, el dolly es una opción ideal para escenas que demandan un acercamiento o alejamiento progresivo de la cámara respecto al sujeto (dolly in/dolly out) o para rodajes donde la precisión en el movimiento es esencial. Travelling: la técnica versátil para movimientos dinámicos de cámara A diferencia del dolly, el travelling no se refiere a un equipo específico, sino a la técnica de mover la cámara siguiendo una trayectoria definida. Este concepto abarca una amplia gama de herramientas y métodos que permiten crear desplazamientos dinámicos y fluidos en las producciones audiovisuales. El travelling puede lograrse utilizando distintos equipos, como dolly, sliders, steadicams, grúas o incluso drones. Esto le otorga una gran flexibilidad, ya que no se limita a un solo tipo de movimiento o herramienta. Además, puede incluir trayectorias lineales o no lineales, adaptándose a las necesidades creativas del proyecto. Ejemplos comunes de travelling son los movimientos que siguen a un sujeto mientras camina (tracking shot) o el recorrido de un espacio amplio para explorar y contextualizar el entorno. ¿Cuándo utilizar travelling? Esta técnica destaca por su versatilidad, ya que se adapta a producciones con diferentes presupuestos y locaciones. También permite movimientos más dinámicos y creativos, enriqueciendo la narrativa visual de la escena. En términos prácticos, el travelling es ideal para tipos de planos cinematográficos donde se necesita seguir a un personaje en acción, como una persecución, o para explorar un espacio y generar en el espectador una inmersión en la secuencia. Tanto el dolly, como herramienta como el travelling, como movimiento, son imprescindibles en el lenguaje cinematográfico. Si estás buscando incorporar estas herramientas a tu rodaje, EFD Studios ofrece una amplia gama de equipos grip en alquiler, incluyendo dollies y otros dispositivos esenciales para realizar movimientos de cámara con la máxima calidad. Contar con el equipo adecuado marca la diferencia en la realización de cualquier proyecto audiovisual.

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